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2011.05.04 Wednesday
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独学音楽のススメ
デザイナーにして「音楽講師」という一面を持つミーハー多忙男。経験を基に音楽の練習法や役立つ（？）情報を公開中。
使用機材でも紹介してみます。
2010.07.28 Wednesday 08:00
あまりにも更新してないんで、私の1軍機材でも紹介してみます。
今回はギター関連で。
【ギター】
Bacchus BST-750K ストラトキャスター
Bacchus テレキャスター（カスタム、DiMarzioピックアップ）
Fender Japan ST57-TX ストラトキャスター
Ibanez RG320
Godin クラシックギター
【エフェクター、アンプシミュレーター】
ZOOM G2.1nu
BOSS OD-1
Ibanez TS808
CryBaby ワウペダル
【アンプ】
Marshall VS30R
【レコーディング】
Cakewalk SONAR 7 STUDIO
Steinberg Cubase LE5
今回はギター関連で。
【ギター】
Bacchus BST-750K ストラトキャスター
Bacchus テレキャスター（カスタム、DiMarzioピックアップ）
Fender Japan ST57-TX ストラトキャスター
Ibanez RG320
Godin クラシックギター
【エフェクター、アンプシミュレーター】
ZOOM G2.1nu
BOSS OD-1
Ibanez TS808
CryBaby ワウペダル
【アンプ】
Marshall VS30R
【レコーディング】
Cakewalk SONAR 7 STUDIO
Steinberg Cubase LE5
神がかった完成度のライブ音源BEST3
2009.08.22 Saturday 00:00
今回は、私が一人の音楽家としてオススメするライブ音源の名盤BEST3をご紹介します。
1. Donny Hathaway - Live
1979年1月13日、惜しくも33歳という若さでこの世を去ったダニー・ハサウェイのライブ音源。
このアルバムは、ハリウッドのTroubadourおよびNYのBitterEndという所で行われたライブをリマスター収録したもので、とにかく1曲目の“What's going on（Marvin Gayeのカバー）”の完成度は何度聴いても鳥肌モノです。
このライブを目の前で観ていたら間違いなく失神してました。
2. Free - Live!
こちらも、1976年3月19日、飛行機事故にてこの世を去ったギタリストPaul Kossoffが在籍した伝説のバンド“Free”のライブ音源です。若き日のPaul Rogersの有り余る若さと勢いが歌声から滲み出ています。
特に6曲目“Mr. Big（バンド「Mr. Big」の名前の由来としても有名です）”は、むしろスタジオ版よりもクールです。何とも言えない“後ノリ感”とブルージーながらもヘヴィーなプレイはFreeならではです。
3. Thunder - Open the Window Close the Door
ブリティッシュハードロックの最後の継承者と評価の高いバンド“Thunder”のライブ音源です。このバンドの安定感・ライブパフォーマンスといったら他にありません。ヴォーカルのDanny Bowesは私が模範としているロックシンガーの一人です。5曲目の“In a broken dream”から6曲目の“River of pain”という流れは感動モノ。
WildCherryの名曲“Play that funky music”をノリノリでカバーする小粋さもまた素敵です。
1. Donny Hathaway - Live
1979年1月13日、惜しくも33歳という若さでこの世を去ったダニー・ハサウェイのライブ音源。
このアルバムは、ハリウッドのTroubadourおよびNYのBitterEndという所で行われたライブをリマスター収録したもので、とにかく1曲目の“What's going on（Marvin Gayeのカバー）”の完成度は何度聴いても鳥肌モノです。
このライブを目の前で観ていたら間違いなく失神してました。
2. Free - Live!
こちらも、1976年3月19日、飛行機事故にてこの世を去ったギタリストPaul Kossoffが在籍した伝説のバンド“Free”のライブ音源です。若き日のPaul Rogersの有り余る若さと勢いが歌声から滲み出ています。
特に6曲目“Mr. Big（バンド「Mr. Big」の名前の由来としても有名です）”は、むしろスタジオ版よりもクールです。何とも言えない“後ノリ感”とブルージーながらもヘヴィーなプレイはFreeならではです。
3. Thunder - Open the Window Close the Door
ブリティッシュハードロックの最後の継承者と評価の高いバンド“Thunder”のライブ音源です。このバンドの安定感・ライブパフォーマンスといったら他にありません。ヴォーカルのDanny Bowesは私が模範としているロックシンガーの一人です。5曲目の“In a broken dream”から6曲目の“River of pain”という流れは感動モノ。
WildCherryの名曲“Play that funky music”をノリノリでカバーする小粋さもまた素敵です。
Jesu, joy of man's desiring（主よ、人の望みの喜びよ） - J. S. Bach
2009.03.14 Saturday 00:00
今回は、クラシックギターの登竜門とも言える“J. S. Bach（バッハ）”の名曲“Jesu, joy of man's desiring（主よ、人の望みの喜びよ）”を練習してみましょう。私自身にとってもバッハの作品の中で最も好きな楽曲の一つです。
まずは、大体の雰囲気を掴んで頂くために、私の敬愛する村治佳織さんの演奏を鑑賞して下さい。
★村治佳織さんが奏でる「主よ、人の望みの喜びよ」
→ http://www.youtube.com/watch?v=yPTyNv2ivzg
素晴らしいですね。指の運び方から抑揚の付け方に至るまで、まさにパーフェクト。
楽曲の起承転結をよく理解されています。
さて、これをそっくりそのまま、なんてのはなかなか出来るものではないので、ある程度の音符を端折ってシンプルにアレンジしてみました（下図）。
※画像をクリックするともう少し大きめの画像が開きます。
TABスコアにしてるので初心者の方でも音を掴みやすいかと（ざっとした譜面で申し訳ありませんｗ）。
クラシックギター買ったは良いけど思った以上に難しくて挫折した、なんて方ももう一度チャレンジしてみてはいかがですか？
まずは、大体の雰囲気を掴んで頂くために、私の敬愛する村治佳織さんの演奏を鑑賞して下さい。
★村治佳織さんが奏でる「主よ、人の望みの喜びよ」
→ http://www.youtube.com/watch?v=yPTyNv2ivzg
素晴らしいですね。指の運び方から抑揚の付け方に至るまで、まさにパーフェクト。
楽曲の起承転結をよく理解されています。
さて、これをそっくりそのまま、なんてのはなかなか出来るものではないので、ある程度の音符を端折ってシンプルにアレンジしてみました（下図）。
※画像をクリックするともう少し大きめの画像が開きます。
TABスコアにしてるので初心者の方でも音を掴みやすいかと（ざっとした譜面で申し訳ありませんｗ）。
クラシックギター買ったは良いけど思った以上に難しくて挫折した、なんて方ももう一度チャレンジしてみてはいかがですか？
ストラトからテレキャスへ乗り換えてみる
2009.02.11 Wednesday 21:46
最近、とうとうテレキャスターを購入してしまいました。ええ、ついに浮気ですよｗ
前々から、1本もってれば便利だなーとは思っていたもののなかなか手を出せず（ストラトさんの視線が痛くて）、近頃は新しいギターとは縁がなかった私ですが。
久々のメープル指板に初めのうちはやや戸惑いつつも、やはり基本はFenderっ子、今では特に違和感もなく弾き倒してます。
Jimi Hendrix やるにはやっぱり音のエッジが甘いというか、ドライブ感が浅い感じがありますが、それこそ Jeff Beck だったり自分好みのJAZZをやるには持って来いのサウンドです。
Richie Kotzen のフォロワーとして、ここは思い切ってテレキャスをメイン機材にしてしまおうかなんて考えもよぎるほどの馴染みようですが、まずはその前にピックアップを載せ換えたいと思います。
ここはもちろん DiMarzio ？それとも Seymour Duncan ？？
前々から、1本もってれば便利だなーとは思っていたもののなかなか手を出せず（ストラトさんの視線が痛くて）、近頃は新しいギターとは縁がなかった私ですが。
久々のメープル指板に初めのうちはやや戸惑いつつも、やはり基本はFenderっ子、今では特に違和感もなく弾き倒してます。
Jimi Hendrix やるにはやっぱり音のエッジが甘いというか、ドライブ感が浅い感じがありますが、それこそ Jeff Beck だったり自分好みのJAZZをやるには持って来いのサウンドです。
Richie Kotzen のフォロワーとして、ここは思い切ってテレキャスをメイン機材にしてしまおうかなんて考えもよぎるほどの馴染みようですが、まずはその前にピックアップを載せ換えたいと思います。
ここはもちろん DiMarzio ？それとも Seymour Duncan ？？
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他ジャンル・他楽器に学ぶ
2008.11.19 Wednesday 11:28
私の音楽のルーツは、物心ついた時から家で流れていたCarole KingやCarpentersなどピアノ＋ヴォーカルというスタイルの大人向けなポップスなのですが、その後、Chick CoreaやMcCoy Tynerなどのジャズ・フュージョンやリスト・ショパン・バッハといったクラシックを通って、Jimi Hendrixと出会い、Deep PurpleやVan Halen、Mr. Bigといったハードロックやブルーズロックを好むようになりました。
お分かりの通り、とにかく私はミーハーなので、楽器・ジャンル共にかなりボーダレスな考えを持っているのですが、それは演奏力の向上に直結しているように感じます。
特に、ギターは非常にオールマイティな楽器なので、その特徴を活かして他ジャンル・他楽器の要素を上手く取り入れることが演奏技術の幅を広げます。
例えば、「G線上のアリア（バッハ）」のチェロの滑らかさ、「トルコ行進曲（モーツァルト）」のピアノ特有のスタッカート、「Spain（Chick Corea）」のラテン風なオルタードフレーズなどなど、ロックギターだけに固執しているとなかなか体得できない「引き出し」を身につけることができるかもしれません。
これは他と差をつけるためにはかなり有益な練習法だと言えます。
また、バンドでの演奏となれば「ハーモニー（協調）」が大切なわけで、その際に他パート（楽器）の知識があればより呼吸の合ったセッションが楽しめるはずです。
お分かりの通り、とにかく私はミーハーなので、楽器・ジャンル共にかなりボーダレスな考えを持っているのですが、それは演奏力の向上に直結しているように感じます。
特に、ギターは非常にオールマイティな楽器なので、その特徴を活かして他ジャンル・他楽器の要素を上手く取り入れることが演奏技術の幅を広げます。
例えば、「G線上のアリア（バッハ）」のチェロの滑らかさ、「トルコ行進曲（モーツァルト）」のピアノ特有のスタッカート、「Spain（Chick Corea）」のラテン風なオルタードフレーズなどなど、ロックギターだけに固執しているとなかなか体得できない「引き出し」を身につけることができるかもしれません。
これは他と差をつけるためにはかなり有益な練習法だと言えます。
また、バンドでの演奏となれば「ハーモニー（協調）」が大切なわけで、その際に他パート（楽器）の知識があればより呼吸の合ったセッションが楽しめるはずです。
直アンで差がつくアンプのセッティング法
2008.11.03 Monday 00:00
以前にも少しお話しましたが、私はギターに関してほとんどエフェクターを使いません。使ってもBossのコンパクト「OD-2（オーバードライブ）」とワウペダル（CryBaby）のみ。AudioslaveのTom Morello（トム・モレロ）みたいに使いこなせればカッコイイですけどね。
つまりはアンプ直結のいわゆる「直アン」ばっかりなので、その分アンプのセッティングにはかなり気を使っています。
そこで、今回は直アンのサウンドをプロっぽくするためのヒントをご紹介。
その名もズバリ、「消去法イコライジング」。
これは、アンプのイコライザ部分（LOW、MIDDLE、HIGH）を0からチューニングするのではなく、フルテン（MAX）状態から余分を削っていくという考え方で、話によると、トランジスタ系のアンプにはかなり合理的なチューニング法なのだそうです。私も数年前から愛用のMarshallで実践しています。
ちなみに、真空管系アンプの場合は真ん中（5）をスタートポジションとしてチューニングするやり方があるそうです。
以上を踏まえて、以下にシングルコイル系のギターセッティング例を記載しておきます。
あくまでご参考までに('◇')ゞ
※数字は10がMAXとして表記しています。
【アメリカンクランチ系】
※参考曲： If It Makes You Happy（Sheryl Crow）など
GAIN：4
LOW：3
MIDDLE：4
HIGH：7
【ブルーズロック系】
※参考曲： Mr. Big（Free）など
GAIN：6
LOW：4
MIDDLE：8
HIGH：6
【ブルーズロック系（ハード）】
※参考曲： Voodoo Child（Jimi Hendrix / Stevie Ray Vaughan）など
GAIN：7
LOW：5
MIDDLE：10
HIGH：7
検証機材： Marshall AVT20X / Fender Japan ST57-78TX
つまりはアンプ直結のいわゆる「直アン」ばっかりなので、その分アンプのセッティングにはかなり気を使っています。
そこで、今回は直アンのサウンドをプロっぽくするためのヒントをご紹介。
その名もズバリ、「消去法イコライジング」。
これは、アンプのイコライザ部分（LOW、MIDDLE、HIGH）を0からチューニングするのではなく、フルテン（MAX）状態から余分を削っていくという考え方で、話によると、トランジスタ系のアンプにはかなり合理的なチューニング法なのだそうです。私も数年前から愛用のMarshallで実践しています。
ちなみに、真空管系アンプの場合は真ん中（5）をスタートポジションとしてチューニングするやり方があるそうです。
以上を踏まえて、以下にシングルコイル系のギターセッティング例を記載しておきます。
あくまでご参考までに('◇')ゞ
※数字は10がMAXとして表記しています。
【アメリカンクランチ系】
※参考曲： If It Makes You Happy（Sheryl Crow）など
GAIN：4
LOW：3
MIDDLE：4
HIGH：7
【ブルーズロック系】
※参考曲： Mr. Big（Free）など
GAIN：6
LOW：4
MIDDLE：8
HIGH：6
【ブルーズロック系（ハード）】
※参考曲： Voodoo Child（Jimi Hendrix / Stevie Ray Vaughan）など
GAIN：7
LOW：5
MIDDLE：10
HIGH：7
検証機材： Marshall AVT20X / Fender Japan ST57-78TX
演奏マンネリ打開法（ギター・ピッキング編）
2008.03.12 Wednesday 10:19
演奏をする人が1度のみならずブチ当たる壁、それが「マンネリ」です。
―ああ、口にするだけでも虫唾が走る単語ですね('A`)
楽器の演奏に月日を重ねていくと、良くも悪くもプレイスタイルに癖が出てきます。それは、そのプレイヤーの「個性」でもあるわけですが、そのことによって演奏の幅が狭まってしまうのであればあまりよろしくはありませんよね。
そこで今回のお題。
これはあくまでも「私の場合」なのですが、個人的にどうもエフェクターを過度に多用するのは好きではありません。
では、直アン（エフェクターを途中に噛ませることなくアンプとギターを直結させること）で音のバラエティを増やすにはどうすれば良いのでしょう。
はい、ピッキングですね。
ただ平坦にピッキングするのみでは、それこそマンネリなプレイになってしまい、聞く側の心をつかむことはできません。
というわけで、ちょっとばかり“引き出し”を増やす練習をおススメします。
1. フォルテ（強）／ピアノ（弱）を意識する
これは当たり前のことなのですが、意外と盲点だったりもします。ギターの場合はアンプを通すと鍵盤よりも強弱のギャップが少なくなってしまいます。そこで、差をつけるという意味でも、「弱」のピッキングを練習すると幅が出ます。以下の方法も参考に。
2. フィンガーピッキングを有効利用
クラシックギターが好きな私の十八番ピッキング法なのですが、これは極めればかなりクールな演奏スタイルを確立できるかと思っています。
フィンガーピッキングと言っても、ピックを親指＆人差し指で普通に持って、中指を使用するやり方です。カントリー系のプレイヤーが似た感じのピッキングをしますよね（「チキンピッキング」とか）。
3. 同フレーズをレガート＆オルタネート両方で
誰しも得意不得意があるわけで、例えば、私が敬愛するミュージシャンの一人であるRichie Kotzen（リッチー・コッツェン）はレガートの名手で、本人曰く「オルタネートは苦手」なのだそうです。とはいえ、「ここぞ」という要所要所ではスパイス的にオルタネートしていて、独特なスピード感や力強さを表現しています。
4. ブリッジミュートを調節する
文字通りです。ギターの構造上、ブリッジミュートをかける手（つまりはピッキングする手）がブリッジからヘッド側へ移動すればするほどミュートは強くなります。当たり前のように聞こえるかもしれませんが、この原理を利用すれば音色のバラエティが格段に豊かになります。Eddie Van Halenなんかは模範的な例だと思います。
5. 単純にピックを替える
普段私はDunlopの「Stubby（3.0mm）」もしくは「Jazz�掘廚箸い�小さくて厚いピックを愛用しているのですが、音楽によっては0.38mmの極めて薄いピックを使用することがあります（Jimi Hendrixの「Voodoo Child」とか妙にハマります）。
はっきり言って、自分でも驚くほど全く違った音が出ます。つまりはこの方法が一番手っ取り早いマンネリ打開につながりそうですが、難点としては曲中でコロコロと切り替えられないという点。
―ああ、口にするだけでも虫唾が走る単語ですね('A`)
楽器の演奏に月日を重ねていくと、良くも悪くもプレイスタイルに癖が出てきます。それは、そのプレイヤーの「個性」でもあるわけですが、そのことによって演奏の幅が狭まってしまうのであればあまりよろしくはありませんよね。
そこで今回のお題。
これはあくまでも「私の場合」なのですが、個人的にどうもエフェクターを過度に多用するのは好きではありません。
では、直アン（エフェクターを途中に噛ませることなくアンプとギターを直結させること）で音のバラエティを増やすにはどうすれば良いのでしょう。
はい、ピッキングですね。
ただ平坦にピッキングするのみでは、それこそマンネリなプレイになってしまい、聞く側の心をつかむことはできません。
というわけで、ちょっとばかり“引き出し”を増やす練習をおススメします。
1. フォルテ（強）／ピアノ（弱）を意識する
これは当たり前のことなのですが、意外と盲点だったりもします。ギターの場合はアンプを通すと鍵盤よりも強弱のギャップが少なくなってしまいます。そこで、差をつけるという意味でも、「弱」のピッキングを練習すると幅が出ます。以下の方法も参考に。
2. フィンガーピッキングを有効利用
クラシックギターが好きな私の十八番ピッキング法なのですが、これは極めればかなりクールな演奏スタイルを確立できるかと思っています。
フィンガーピッキングと言っても、ピックを親指＆人差し指で普通に持って、中指を使用するやり方です。カントリー系のプレイヤーが似た感じのピッキングをしますよね（「チキンピッキング」とか）。
3. 同フレーズをレガート＆オルタネート両方で
誰しも得意不得意があるわけで、例えば、私が敬愛するミュージシャンの一人であるRichie Kotzen（リッチー・コッツェン）はレガートの名手で、本人曰く「オルタネートは苦手」なのだそうです。とはいえ、「ここぞ」という要所要所ではスパイス的にオルタネートしていて、独特なスピード感や力強さを表現しています。
4. ブリッジミュートを調節する
文字通りです。ギターの構造上、ブリッジミュートをかける手（つまりはピッキングする手）がブリッジからヘッド側へ移動すればするほどミュートは強くなります。当たり前のように聞こえるかもしれませんが、この原理を利用すれば音色のバラエティが格段に豊かになります。Eddie Van Halenなんかは模範的な例だと思います。
5. 単純にピックを替える
普段私はDunlopの「Stubby（3.0mm）」もしくは「Jazz�掘廚箸い�小さくて厚いピックを愛用しているのですが、音楽によっては0.38mmの極めて薄いピックを使用することがあります（Jimi Hendrixの「Voodoo Child」とか妙にハマります）。
はっきり言って、自分でも驚くほど全く違った音が出ます。つまりはこの方法が一番手っ取り早いマンネリ打開につながりそうですが、難点としては曲中でコロコロと切り替えられないという点。
モード（旋法）を極める ― アドリブのアプローチ
2008.01.06 Sunday 15:17
今回は前回の予告の通り、「コードとスケールの関係」についてお話します。
ジャズの演奏では、何と言っても“アドリブ”が醍醐味です。譜面に忠実な様式的演奏とコントラストして、インプロヴィゼーショナル（即興的）に曲のイメージや感情、その場の雰囲気などを音に変換する作業です。これは予め決めておくべきものではなく、あくまでその時々の音を奏でることに意義があるのだと思います。
このインプロヴィゼーションにも十人十色様々なアプローチがありますが、私の場合、主に2つのポイントを意識しながらプレイします。
1つは曲全体のキーからスケールを割り出す“ワイド・スケーリング・アプローチ”、もう1つはコードごとにスケールを割り出す“モーダル・スケーリング・アプローチ”です。
ジャズから派生したブルースを聴くと良く分かりますが、例えば“A - D - E”というオーソドックスな3コード進行の曲はキーがAなのでAのスケール（ペンタトニックなど）だけでもアドリブできますし、モーダルに（モードに沿って）コードごとのスケールを当ててプレイしても良いわけです。
モーダル・スケーリング・アプローチの参考としてはジャンゴ・ラインハルト（Django Reinhardt）がおすすめです。「ジプシー・スウィング」や「ホットクラブ・サウンド」などと呼ばれるモーダル・アプローチの模範的なプレイを聞くことができます。
神業に近い演奏力がありますが、なんと左手は火災事故による後遺症のため自由が利かず、人差し指と中指のみでプレイしています。
以下、参考までにコードに呼応するスケールの例を書いておきます。
M7,6,9 → メジャースケール、リディアンスケール
M7（♯11） → リディアンスケール
m7,9,11 → ドリアンスケール、エオリアンスケール
m(M7) → ハーモニックマイナースケール、メロディックマイナースケール
m6,13 → メロディックマイナースケール、ドリアンスケール
7 → ミクソリィディアンスケール
7sus,9sus → ミクソリィディアンスケール
7(♯11) → リディアン（♭7）スケール
7(♯9,♭9,♯5,♭5) → オルタードスケール
7(9,♯5,♭5) → ホールトーンケール
13(♯9,♭9) → ドミナントディミニッシュスケール
Dim,Dim7 → ディミニッシュスケール
Aug → ホールトーンスケール
mi7（♭5） → ロクリアンスケール、ロクリアン♯2スケール
ジャズの演奏では、何と言っても“アドリブ”が醍醐味です。譜面に忠実な様式的演奏とコントラストして、インプロヴィゼーショナル（即興的）に曲のイメージや感情、その場の雰囲気などを音に変換する作業です。これは予め決めておくべきものではなく、あくまでその時々の音を奏でることに意義があるのだと思います。
このインプロヴィゼーションにも十人十色様々なアプローチがありますが、私の場合、主に2つのポイントを意識しながらプレイします。
1つは曲全体のキーからスケールを割り出す“ワイド・スケーリング・アプローチ”、もう1つはコードごとにスケールを割り出す“モーダル・スケーリング・アプローチ”です。
ジャズから派生したブルースを聴くと良く分かりますが、例えば“A - D - E”というオーソドックスな3コード進行の曲はキーがAなのでAのスケール（ペンタトニックなど）だけでもアドリブできますし、モーダルに（モードに沿って）コードごとのスケールを当ててプレイしても良いわけです。
モーダル・スケーリング・アプローチの参考としてはジャンゴ・ラインハルト（Django Reinhardt）がおすすめです。「ジプシー・スウィング」や「ホットクラブ・サウンド」などと呼ばれるモーダル・アプローチの模範的なプレイを聞くことができます。
神業に近い演奏力がありますが、なんと左手は火災事故による後遺症のため自由が利かず、人差し指と中指のみでプレイしています。
以下、参考までにコードに呼応するスケールの例を書いておきます。
M7,6,9 → メジャースケール、リディアンスケール
M7（♯11） → リディアンスケール
m7,9,11 → ドリアンスケール、エオリアンスケール
m(M7) → ハーモニックマイナースケール、メロディックマイナースケール
m6,13 → メロディックマイナースケール、ドリアンスケール
7 → ミクソリィディアンスケール
7sus,9sus → ミクソリィディアンスケール
7(♯11) → リディアン（♭7）スケール
7(♯9,♭9,♯5,♭5) → オルタードスケール
7(9,♯5,♭5) → ホールトーンケール
13(♯9,♭9) → ドミナントディミニッシュスケール
Dim,Dim7 → ディミニッシュスケール
Aug → ホールトーンスケール
mi7（♭5） → ロクリアンスケール、ロクリアン♯2スケール
モード（旋法）を極める ― 数学的解釈？？
2007.12.24 Monday 00:32
先に言っておきますが、私は数学が苦手な典型的文学系です（笑）。
しかし、理論を学ぶ際、特にジャズをやる上ではコードネームや音階を数字表記することがしばしばあります。スムーズに体得するためには、当然これに慣れる必要があります。
なぜ数字表記するのかというと、コードネームや音階を「C」とか「ド」などと限定しないことによって、どのキー（調）においても普遍的に説明できるからです。
例えば、ジャズの常套的なコード進行で“��-��-�機淵肇ァ次Ε侫．ぅ堯Ε錺鵝法匹噺討个譴襪發里�あります。より正確には“��m7-��7-��M7”と表記するのですが、これはキーがC（ハ長調）ならば“Dm7-G7-CM7”、またBb（変ロ長調）ならば“Cm7-F7-BbM7”となります。
ちなみに、ダイアトニックに対してそれぞれのテンションノートを加えると、“��M7、��m7、��m7、��M7、��7、��m7、��m7(b5)”というコードができます（前回の説明を参考にして下さい）。これも大切なのでぜひ覚えて下さい。ただし、実際にはもっと複雑な構成音のコードになることが多いのでご注意。
さあ、次回からは「コードとスケールの関係」についてお話しましょう。
しかし、理論を学ぶ際、特にジャズをやる上ではコードネームや音階を数字表記することがしばしばあります。スムーズに体得するためには、当然これに慣れる必要があります。
なぜ数字表記するのかというと、コードネームや音階を「C」とか「ド」などと限定しないことによって、どのキー（調）においても普遍的に説明できるからです。
例えば、ジャズの常套的なコード進行で“��-��-�機淵肇ァ次Ε侫．ぅ堯Ε錺鵝法匹噺討个譴襪發里�あります。より正確には“��m7-��7-��M7”と表記するのですが、これはキーがC（ハ長調）ならば“Dm7-G7-CM7”、またBb（変ロ長調）ならば“Cm7-F7-BbM7”となります。
ちなみに、ダイアトニックに対してそれぞれのテンションノートを加えると、“��M7、��m7、��m7、��M7、��7、��m7、��m7(b5)”というコードができます（前回の説明を参考にして下さい）。これも大切なのでぜひ覚えて下さい。ただし、実際にはもっと複雑な構成音のコードになることが多いのでご注意。
さあ、次回からは「コードとスケールの関係」についてお話しましょう。
モード（旋法）を極める ― スケールに見る奏法
2007.12.21 Friday 13:57
初回のエントリーでも「練習」と「理論」の大切さをお話しましたが、独学で音楽を学ぶ際に一番苦労するのも、その「理論」を自分のものにすることではないでしょうか。
しかし、それは大抵の人たちが独学する際に「カリキュラム」を組み立てないからです。
早くマスターしたいがために基礎を疎かにしてしまったり、順を追わずに練習して技術が伴わなくなってしまったり。
独学する上では、その焦る気持ちを抑えて、ベーシックな部分も「地味だからイヤ」なんて言わずに確実にこなしていくことが重要なのです。
というわけで、音楽の基礎となる理論をしっかりと自分のものにしましょう。これは世界中のあらゆる音楽に応用が利くメソッドです。
まずは「モード（旋法）」を極めましょう。
音楽をかじったことのある方々なら「ダイアトニックスケール」という言葉を聞いたことがあるかもしれません。これ、つまりは「ドレミファソラシド（以降CDEFGABCと表記します）」のことです。基本過ぎて軽視されがちですが、このスケールはモードを知る上で非常に重要になってきます。
ダイアトニックは「WWHWWWH（W=Whole=全音、H=Half=半音）」という形で成り立っています。つまり、「CDEFGABC」はCのキー（ハ長調）のダイアトニックです。
そこで本題の「モード」に入りますが、これには7つの種類があります。
アイオニアン
ドリアン
フリジアン
リディアン
ミクソリディアン
エオリアン
ロクリアン
「なんだこりゃ」と思われた方もいらっしゃると思いますが、先ほどお話したダイアトニックを理解して頂けたのならこれはそう難しいことではありません。
Cのキー（ハ長調）で説明します。
Cから始めると → CDEFGABC → Cアイオニアン（メジャースケール）
Dから始めると → DEFGABCD → Dドリアン
Eから始めると → EFGABCDE → Eフリジアン
Fから始めると → FGABCDEF → Fリディアン
Gから始めると → GABCDEFG → Gミクソリディアン
Aから始めると → ABCDEFGA → Aエオリアン（ナチュラルマイナースケール）
Bから始めると → BCDEFGAB → Bロクリアン
要は、何を基準の音にするかでモードの名前が決まります。
肝心なのはこれを実際に楽器で弾いてみることですが、その際は五感の全てを総動員させて自分のものにして下さい。そしてあらゆるキーで対応できるように練習を組むことが大切です。
それはそれは地味で孤独なトレーニングです、覚悟して下さいね（笑）。
私はこういった理論をピアノで練習して覚え、後にギターに応用して、現在に至っています。つまり、こういった理論的な部分は楽器の種類を問わず、すべての奏法につながるコア（核）となりうるのです。
それでは、次回に続きますヽ(ﾟ∀ﾟ)ﾉ
しかし、それは大抵の人たちが独学する際に「カリキュラム」を組み立てないからです。
早くマスターしたいがために基礎を疎かにしてしまったり、順を追わずに練習して技術が伴わなくなってしまったり。
独学する上では、その焦る気持ちを抑えて、ベーシックな部分も「地味だからイヤ」なんて言わずに確実にこなしていくことが重要なのです。
というわけで、音楽の基礎となる理論をしっかりと自分のものにしましょう。これは世界中のあらゆる音楽に応用が利くメソッドです。
まずは「モード（旋法）」を極めましょう。
音楽をかじったことのある方々なら「ダイアトニックスケール」という言葉を聞いたことがあるかもしれません。これ、つまりは「ドレミファソラシド（以降CDEFGABCと表記します）」のことです。基本過ぎて軽視されがちですが、このスケールはモードを知る上で非常に重要になってきます。
ダイアトニックは「WWHWWWH（W=Whole=全音、H=Half=半音）」という形で成り立っています。つまり、「CDEFGABC」はCのキー（ハ長調）のダイアトニックです。
そこで本題の「モード」に入りますが、これには7つの種類があります。
アイオニアン
ドリアン
フリジアン
リディアン
ミクソリディアン
エオリアン
ロクリアン
「なんだこりゃ」と思われた方もいらっしゃると思いますが、先ほどお話したダイアトニックを理解して頂けたのならこれはそう難しいことではありません。
Cのキー（ハ長調）で説明します。
Cから始めると → CDEFGABC → Cアイオニアン（メジャースケール）
Dから始めると → DEFGABCD → Dドリアン
Eから始めると → EFGABCDE → Eフリジアン
Fから始めると → FGABCDEF → Fリディアン
Gから始めると → GABCDEFG → Gミクソリディアン
Aから始めると → ABCDEFGA → Aエオリアン（ナチュラルマイナースケール）
Bから始めると → BCDEFGAB → Bロクリアン
要は、何を基準の音にするかでモードの名前が決まります。
肝心なのはこれを実際に楽器で弾いてみることですが、その際は五感の全てを総動員させて自分のものにして下さい。そしてあらゆるキーで対応できるように練習を組むことが大切です。
それはそれは地味で孤独なトレーニングです、覚悟して下さいね（笑）。
私はこういった理論をピアノで練習して覚え、後にギターに応用して、現在に至っています。つまり、こういった理論的な部分は楽器の種類を問わず、すべての奏法につながるコア（核）となりうるのです。
それでは、次回に続きますヽ(ﾟ∀ﾟ)ﾉ